活動紹介

この「これからゼミ」では、アート・コミュニケータならではの視点で、街なかの建築を鑑賞。みんなで歩いて、みんなで見る建築鑑賞ツアープランを考えました。

 

 

みんなで名建築をみるのが楽しい！

 

とびラーは、建築実践講座（※）で学んだり、建築ツアーガイドを経験したりするうちに、「建築沼」にはまってしまう人が少なくありません。建築の魅力に取り憑かれたとびラーたちは、常日頃から誘い合って、街なかの名建築を見にいっています。

 

そして私は、気づいてしまいました。一人で見るよりも、みんなで対話しながらのほうが、何倍も楽しく、鑑賞の「解像度」がぐぐっと高まることを。

もしかすると、アート・コミュニケータとしての視点が、建築鑑賞にも生きているのかもしれない……。だとしたら、私たちの建築鑑賞まちあるきは巷の建築ツアーとは一味違うものであるはず。

 

そんな仮説を立て、任期満了後の活動を見据えた「これからゼミ」として、「アート・コミュニケータの建築鑑賞まちあるき」の可能性を考えてみることにしました。

 

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※建築実践講座：東京都美術館の建築の歴史や背景を理解し、自分の感覚を手掛かりに建築を味わう力を身につけ、美術館というパブリックな建築を介して人々をつなぐ場をデザインする」ことを目的に、とびラーに向けて毎年開催されている講座。

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キックオフミーティングは、

＃アートコミュニケータ

＃建築

＃鑑賞

＃まちあるき

というモリモリのキーワードに惹かれた９人のとびラーが集結。

• これらを全部組み合わせたら何ができるのか
• 「まちあるきツアー」への関心で集まったコミュニティには、どんな可能性がある？
• 建築の専門家ではなく、アート・コミュニケータがツアーガイドをする建築鑑賞ツアーとは
• 有名な建築だけでなく、なんてことない地域のまちあるきについても考えてみたい

と、大風呂敷を広げてざっくばらんに話し合いました。

 

 

六本木界隈をあるいてみた！

 

まずは実践。さっそくみんなで街に出てみることにしました。行き先は、前川國男のファンなら一度は訪れたい「国際文化会館」がある六本木エリアです。各自が気になる建築をリサーチして、記念すべき最初のツアーが完成しました。教会建築から、昭和初期のアパートメント、愛すべきモダニズム建築……と時代を超えて、大都会六本木の心意気を感じられる贅沢なラインナップに。

 

テーマ：

六本木の名建築を歩く

ルート：

▶︎神谷町駅

▶︎聖オルバン教会・聖アンデレ教会

▶︎ノアビル

▶︎和朗フラット

▶︎AXISビル

▶︎国際文化会館（お茶）

▶︎全日本海員組合本部会館

（国際文化会館以外は、外観をじっくり見学）

 

ツアー気分を盛り上げるため、しおりを作成。鑑賞する建築ごとに「自分が注目したいポイント」を記入する欄をつくり、見る準備を整えて当日を迎えました。

 

 

当日は10人のメンバーが参加し、六本木の名建築を心ゆくまで鑑賞しました。面白かったのは、コースに組み込んでいなくても、気になる建物があれば立ち止まり、みんなで鑑賞が始まってしまうこと。いっときも対話が途切れることなく、あっという間の３時間でした。

 

 

後日実施したふりかえりミーティングでは、「建築鑑賞まちあるき」の意義についてさらに深い発見がありました。

「いろいろな時代の建築を通して街の歴史を感じたり、地形を体感したりして、街の全体像を知ることができた」という手応えに加え、メンバーからはこんな意見も。

 

「地域の人に話を伺ったら、もっと面白くなるはず」

「ツアーをつくること自体が、ひとつのコミュニケーションだね」

 

「人がいてこそ、まち」。 

単なる見学ツアーを超えて、「コミュニケーションの場づくり」としてのツアーという、私たちの目指す方向性がはっきりと見えてきた気がします。

 

 

白熱のツアープランプレゼン大会

 

次のゼミでは、各自ツアープランを作成して、みんなに発表しました。メンバーの「好き」が詰まったツアーの数々に「こんな建築があるとは！」「早く行きたい！」と盛り上がり、あっという間に時間が過ぎました。

 

みんなが考えたツアー案のほんの一例

・馬車道・日本大通り レトロ・モダニズム建築さんぽ

・白金・高輪名建築さんぽ〜ゴシックからクマケンゴ〜

・上野の山を下って、東上野〜浅草下町さんぽ

・日本橋界隈ツアー

・山形市内 みどころ建築満載涙ものツアー

・北区王子周辺の文化財を歩く

・文京区本郷界隈ツアー

 

実際にツアープランを作ってみると、時間配分やトイレ休憩の確保など、実践的な課題も見えてきました。検討すべきことがたくさん！ 誰もが安心して参加できるツアーを作るのは、そう簡単ではありません。

 

 

「まちと建築 みるみる隊」始動！

 

そうこうするうちに、開扉（３年の任期が満了すること）が迫ってきたので、開扉後に自主的に活動を続けていくための任意団体を作りました。

その名も「まちと建築 みるみる隊」。

目的は、まちあるきと建築鑑賞を通したコミュニケーションの場を通じて、人と人、人と建築、人とまちをつなげること。対話を通して、「まちと建築」をよ〜くみて、その魅力を多くの人と共有したい。そして、まちが受け継いできた文化や名建築を次世代に引き継ぐ一助になれたらと考えています。

 

まずは、メンバー内でまちあるきと建築鑑賞を実践しながら、自分たちの考えや思いを言語化、研究することからスタート。私たちのペースでじっくりと「まちと建築」に向き合っていきます。

 

 

 

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執筆：後藤 麻木（12期 とびラー）

編集制作会社で働いています。名建築に身を置き、建築家の思いを知ることに夢中。とびらプロジェクトで学んだことを生かして、身近な場所にみんなが居心地の良い場所をつくることを目指しています。

 

 

＜触図（しょくず）とは＞

まずここでいう触図ですが、手指で触って作品の構図や形を理解するための図です。点、線、面などの要素が凹凸で表現され、触感によって絵の情報を捉えることができます。鑑賞の際は、サポートする人が、見えない・見えにくい方に、作品の視覚情報を伝えながら使用します。

東京都美術館では、2024年の「田中一村展　奄美の光 魂の絵画」より、すべての特別展で、展示作品の中から２〜３点の作品の触図を制作しています。この触図は、展覧会の会期中、触図を必要とされる方にご利用いただいています。

 

＜触図ラボ、キックオフ！＞　

１３期とびラーの山本さん（全盲）と活動中の2025年3月末、特別展「ミロ展」展示作品の触図を山本さんがテストで触る機会に立会いました。

 

そのテストの場で、山本さんが

「線が多いとモチーフがわかりづらい…。」と感想を言いました。

 

この時のミロ作品の触図では、

・赤色の部分：ドット柄

・黒色の部分：斜線

など、別々の触感を使って色の違いがわかるようにすることが試みられていました。

 

ただそうすることで、手に触れる要素が増え、山本さんにとっては逆に、作品に描かれているモチーフそのものの形状が分かりづらいと感じることがわかりました。

 

その触図を用いた鑑賞の様子に、そこにいたとびラーはとても興味を持ちました。

 

できたばかりの触図を触る

 

そして、この触図が5月に実施する『障害のある方のための特別鑑賞会（以下：特別鑑賞会）：「ミロ展」』で活用されることを聞きました。見えない・見えにくい方がより作品鑑賞を楽しめるように、私たちが伴走をしたい、そのためにどう触図を利用していくかをみんなで考えたい、という思いで、４月上旬に「触図ラボ＠特別鑑賞会」のとびラボを立ち上げました。

今回は主に以下のことについて試しました。

• 触図の持ち方の工夫
• モチーフの比較による理解の補助
• 対話と触覚の順序の検討

 

＜「障害のある方のための特別鑑賞会」＠ミロ展での活動＞

▽実施日：2025年5⽉26⽇

▽展覧会：ミロ展

▽とびラボ活動期間：2025年4月7日〜6月7日  計10回実施

 

＜対話鑑賞と触図鑑賞…どちらが先？＞

山本さんの体験談に耳を傾けながら、触図で構図を理解するだけでなく、より深い作品鑑賞まで行きつくためには、どう触図を活用したらよいかを話しあいました。

その中で、下記のような鑑賞サポートのヒントが見えてきました。

 

・ゆっくり時間をかけてみんなで作品をみて対話をすることで理解が深まりやすい（人によって捉え方が違う＝情報が増える）

・対話での鑑賞を先にするのが良いか、触図に触れるのを先にするのが良いかは、作品の性質によって変わる

・触図を触っている最中に、作品説明を聞くのは難しい

 

鑑賞方法の順序として、見える人は「森→木」、
そして見えない人は「木→森」なのでは？というキーワードが出てきました。　

 

・森→木：見える人はまず作品の全体を見てから気になるところを細かく見ていける。

・木→森：見えない人はまず作品の部分的なものを知ることから始まり、それを集めて全体の作品のイメージを作り上げる。

 

見えない・見えにくい方全員が、同じ状況ではありませんが、基本の考え方の１つになりました。

 

＜鑑賞を楽しんでもらうための工夫＞

ある日のミーティングでは、とびラーが持参した、さわる絵本や、触知図印刷（特殊インキで凹凸を表現した印刷）を用いた冊子を、触ったり見たりして「さわって鑑賞する」ことを体験してみました。

 

さわる絵本を目を閉じてさわり、形の違いを感じます。

 

ミロ展の触図は、２作品あります。特別鑑賞会当日に触図ラボのとびラーが担当する作品は、月と星が印象的な《涙の微笑》。

 

そこから、当日の鑑賞に向けて、鑑賞サポートのより具体的なアイデアも検討されました。

 

・ミロの作品に月や星のモチーフがよく登場することを紹介し、星のモチーフの形を比較したりできると良いのでは？

・作品鑑賞の補助ツールとして触図を利用して、ミロの色彩や線を楽しんでもらう。

・言葉だけでなく指での触覚を通しての鑑賞をしてもらう。

・とびラーとの対話で、普段とは違う鑑賞体験が生まれるのではないか？

 

そんなことを考えながら、今回の企画意図を整理、共有していきました。

 

また、展示室内で実際の作品の前で触図を用いた鑑賞を行うための工夫を模索しました。見えない・見えにくい当事者と、介助者、、とびラー3人での鑑賞を想定し、触図を安定した姿勢で触ってもらえるように、A3サイズの紐付きボードを使用することにしました。

 

触図の持ち方を思案中

 

＜目標だった鑑賞を深めることはできたのか？＞

本番当日。触図についてや構図の説明がおもになってしまった時もありましたが、全盲の鑑賞者からはこんな声をいただきました。

・月や星に希望を感じられる。

・３本の髪の毛（のようなもの）は、目を閉じた時のマンガで描かれるシワのようで、そこから涙が流れ、下の赤い部分にたまっていくようだ。月の周りの白いグルグルした筆跡は、暗くモヤモヤした気持ちで、涙の理由になったものではないか。

・ずっと見てきたミロの星の形が触ってわかった！鑑賞の補助になった。

 

積極的な作品鑑賞ができたからこそ出てきた言葉を、私たちはうれしく受け取りました。この実施で、ミロ展での触図ラボは終了しました。

 

 

＜「障害のある方のための特別鑑賞会」＠ゴッホ展での活動＞

▽活動日：2025年10月27日（月）

▽展覧会：ゴッホ展　家族がつないだ画家の夢

▽とびラボ活動期間：2025年9月7日〜11月2日　計8回実施

 

「ゴッホ展 特別鑑賞会」へ向けて、9月上旬に「触図鑑賞ラボ＠ゴッホ展特別鑑賞会」をキックオフしました。今回は、鑑賞を深める気持ちを込め、とびラボの名称に「鑑賞」を入れてラボ名をリニューアルしました。

14期とびラーが初参加！ 　　　　　

 

まずは前回のとびラボでの実施を一通りふりかえりました。さらに鑑賞の深め方を試行錯誤していきました。今回のゴッホ展で、私たちのとびラボが担当する作品は《種まく人》です。前回担当したミロ作品の《涙の微笑》よりも要素が多く遠近感のある作品です。

 

基本姿勢としては、作品全体のモチーフの配置情報を伝え、それから人物、木など個々のモチーフについて伝える手順が伝わりやすそう、色の情報なども伝えたほうが良いと話しあいました。また前回の経験から、じっくり鑑賞したい人、さらっと鑑賞して次に行きたい人と、目の不自由な方の鑑賞の様子をみて対応していこうと確認しました。

 

ゴッホ《種まく人》を鑑賞中

 

鑑賞者の手をとり触図をなぞってもらう練習中   

 

 

＜本番のふりかえり＞

・「構図がよくわかった」との声が複数あった。

・来館者の状況がそれぞれ異なるので、声をかけるタイミングが難しかった。
・全盲の方と弱視の方では見せ方が違った。

・「輪郭だけがわかる触図が別にもう１つあるといい」という声。

 

鑑賞者の手をとり、モチーフの輪郭をなぞってもらうなどし、前回より構図やモチーフの形をわかりやすく伝えることができたと思います。

 

ゴッホ展の図録で何度も対話型鑑賞をして作品研究をしました

 

 

 

＜「障害のある方のための特別鑑賞会」＠スウェーデン絵画展での活動＞

▽活動日：2026年2月9日（月）

▽展覧会：東京都美術館開館100周年記念「スウェーデン絵画　北欧の光、日常のかがやき」

▽とびラボ活動期間：2026年1月24日〜2月22日  計5回実施

 

今回のスウェーデン絵画展に向けて、新しく立ち上げた触図鑑賞ラボのキックオフの時点で触図は未完成でした。また、スウェーデン絵画展での特別鑑賞会は開幕してから数日後で展示室での検証期間も少なく、ドキドキの準備となりました。

 

新たなメンバーが参加！

 

スウェーデン絵画展の触図は３作品です。

３作品全ての作品の鑑賞サポートを触図鑑賞ラボで担当することになり、３ヶ所３チーム編成で活動しました。会場の下見では展示室の動線の妨げにならない立ち位置の確認や、椅子が目の前にある作品では、来館者に座ってもらって行う鑑賞も想定しました。

 

鑑賞の流れとしては、前回までの鑑賞体験から、作品の構図や情景を伝え、全体から部分モチーフへの説明へと進めるようにしようと話し合いました。

 

また、来館者の鑑賞深めるための準備として、とびラー同士で、作品を時間をかけてよく見て言語化していきました。とびラー自身の作品への理解を深めることが、鑑賞サポートをする際に大切なことです。。

 

＜触図のタイプが変化＞

東京都美術館の触図は、社会共生担当のスタッフが、展覧会担当学芸員に相談しながら、触図制作者とともに作成しています。その制作過程では、来館者からのフィードバックを元に、作品の魅力がより伝わるように試行錯誤が重ねられています。

 

今回のスウェーデン絵画展で制作された触図は、素材感も楽しめる触図が制作されました。

 

これまでとはタイプが異なる触図で鑑賞中

 

作品の女性がしている編み物の部分には赤い毛糸を編んだものが貼られています。

 

図録と触図での作品研究を進めます

 

＜鑑賞の変化＞

今回の触図では色は表現されてないため、ロービジョンの方など、色を認識する方の鑑賞用に、iPadに取り込んだ作品画像で必要に応じて色をみてもらえるようにしました。

 

《夜の訪れ》をVTS鑑賞し触図でも鑑賞。

 

《川辺の冬の夕暮れ》を鑑賞中

 

鑑賞者の手をとり誘導しながらモチーフの輪郭をなぞってもらいます。

 

作品鑑賞、会場下見が終わり展示室を出ると雪景色。
北欧の作品とのリンクに思わず笑顔。　

 

＜本番のふりかえり＞　

・立体・白黒印刷の触図は「さわって構図を知るためのもの」という目的がより明確で良かった。

 

・ロービジョンの方が多かった。触図を指で触って形を認識し、iPadで色や細部を認識する。あえて分けて提供するやり方は今後も継続した方が良いと感じた。

 

・ロービジョンの方だと思うが、同伴者と作品を見た後、触図で鑑賞。中央の馬を触りながら「お尻じゃなくてこちらを向いているのね！」と触図で顔の向きを理解していた。

 

・雪が描かれた部分に並ぶ無数の「◯」のボツボツ感にスウェーデンの雪の硬さを感じてくれた。

 

・触図があります、いかがでしょうか？という声かけだけでなく「鑑賞をいっしょにしませんか？」の声かけが効果的だった。

 

・《川辺の冬の夕暮れ》で同伴者の「木目のような波紋が・・」のような解説に反応していたのを見て、全体の構図の説明より先に、真ん中の波紋を触ってもらった。「本当木目みたい、ここが川なのね。」と嬉しそう。鑑賞者と同伴者の、鑑賞の様子に注意を向けて行動することも大事だと思った。

 

＜鑑賞者の印象に残った声＞

対話と触図で鑑賞を深めていくと、作品を起点に紡がれたコミュニケーションが生まれる場面もありました。印象的だった鑑賞者の言葉をいくつかご紹介します。

 

作品1《編物をするダーラナの少女コール＝マルギット》

・ロービジョンの方と、言葉での鑑賞 → 触図での鑑賞 → iPadでの鑑賞の順に進めた。「昔、母に編み物を教えられたんだけど…」と棒針での編み方を教えてくれた。

 

作品2《川辺の冬の夕暮れ》

・ロービジョンの方「水辺の絵でモネだったら花が描かれるけど、この絵はスウェーデンだからシンプル、冬で光が足りないから花がないのではないか？」一つの絵から他の絵もイメージしていたことが印象に残った

 

・日本の川幅が狭く流れが早いのと違い、作品の川は水面に映る木々の影や空の色がわかるほど、ゆったりと静かな印象を話し、「北欧の広大な大地ならではの悠々とたゆたう川を感じる」と仰っていた。

 

作品3《夜の訪れ》

・ストレッチャーに横たわる男性の手を母親がとり触らせ、わずかに目や手がピクッと動いたようだったので「鑑賞で反応したのかな？」と。パリの美術館へ行くほどアート好きだったという話しを伺いました。

 

 

とびラボ内でおなじみとなった「触図を触るポーズ」

 

 

＜今後の展望＞

触図に限らず、見える人・見えにくい人・見えない人がともに行う鑑賞のあり方を、今後も試行していきたいと考えています。

 

＜３回目の触図鑑賞ラボを終えて＞

回を重ねるごとに声かけの工夫がだんだん出来てきました。触図を、構図の理解をしてもらうツールとし、目標である鑑賞を深めていくことも徐々にできつつあると感じています。

経験をみんなでシェアしながらブラッシュアップしていけると思います。これからの触図鑑賞の進化が楽しみです。

 

 

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執筆：染谷 都（12期とびラー）

ラジオ番組制作ディレクター。旅と音楽と建築好き。藝大の森お世話隊でボランティア活動中。 ラジオの仕事を長くやっているせいか状況・情景描写を細かくする習性が少しあります。音声メディアで働く者として底辺のところで目の不自由な方を意識する感覚があり少しでも役にたつことができればと思っています。

 

私たちとびラーが主に活動している東京都美術館 交流棟にあるアートスタディールームには、カラフルで座り心地の良いイスがあります。また、本棚の前にあるイサム・ノグチのソファに座ると、自然とゆったりとした気分になり、お喋りに花が咲きます。

 

 

普段は気にせず使っているこれらのイスですが、実は東京都美術館内にはさまざまな種類の魅力的なイスがあるのではないか、改めてイスに注目して館内を巡ってみよう、というのが、とびラー同士で実施したこのとびラボです。平日午後の開催でしたが、１７名のとびラーが集まりました。

イスについては、デザイナーの情報やどこのメーカーのものであるかなど基本的なこともとびラー同士で共有しました。その際、参考にしたのが「美術館でアートの本とすてきな家具に出会う」というリーフレットです。このリーフレットには、東京都美術館にあるイスについて紹介されています。

 

※「美術館でアートの本とすてきな家具に出会う」リーフレット

https://www.tobikan.jp/media/pdf/2022/guide_artlounge.pdf

 

しかし、それだけではありません。このとびラボでは、イスがどこに置かれているのか、そしてその場所にあるイスに実際に座ってみることで空間がどのように感じられるのかなど、イス単体に注目するのではなく、空間自体を捉えることを試みました。

 

１階の佐藤慶太郎記念アートラウンジにあるイプ・コフォード・ラーセンのイスや、フィン・ユールのイスは建築ツアーでも話題にするとびラーが多くいます。いつもは紹介する側ですが、今日は自分でしっかり座ってみよう、座ったら何が見えるだろうか、という思いで腰掛けてみました。すると、公園の緑がより近くに感じられる印象がありました。実際に座ってみることで視点の違いをリアルに感じることが出来たのです。

 

※佐藤慶太郎記念アートラウンジ

https://www.tobikan.jp/guide/artlounge.html

 

エスプラナード（美術館正門から建物内部へとつながる広場空間）に置かれている石のベンチについても、みんなで検証してみました。このベンチは、1975年の新館設立時から設置されているものです。これまで、たくさんの来館者を迎えてきたベンチです。エスプラナードのエスカレーター脇や企画棟の壁沿いにありますが、そこだけではなく、東門へ通じる階段の途中や屋外彫刻の最上壽之 《イロハニホヘトチリヌルヲワカヨタレソツネ・・・・・・ン》と、小田襄 《円柱の領域》の近くにもあります。東門近くのこのベンチでは、彫刻を眺めたり、本を読んだりしてゆっくり過ごしている方を見かけます。あるとびラーが、東門近くは、企画棟の打ち込みタイルの壁や大きな銀杏の木などに囲まれ、特に落ち着いた空間になっているのではないかと気付きました。だから、のんびりと座っている人が多いのではないでしょうか。

 

　

東京都美術館のイスと言えば、ロビー階のホワイエや公募棟にある大きな窓のある休憩エリアに置かれている、赤・緑・黄・青の４色のイスが特徴的です。このイスは建築家・前川國男がデザインしたものです。

ホワイエで観察していたとびラーが、このイスが置かれている数の配置に規則性があることに気付きました。手前から、４個組５個組６個組になっていることに気付いたのです。よく観察したからこそ気付いた発見でした。

 

 

 

一方で、色の配置は常に決まっているのだろうか？座面の色の配置には何か理由があるのだろうか？という疑問も湧き上がりました。これは、今後の検証が必要そうです。

 

公募棟の休憩エリアにも同じ前川國男デザインのイスがあります。１階のイスに座ると外のエスプラナードを行きかう人々の流れや屋外彫刻に目が行きます。２階のイスに座ると広い青空に目が行きます。

 

同じ大きな窓でもイスの置かれている場所が違うことで、座る人の視線の動きに違いがあることに気付きました。前川國男は、こうした人の視線の動きも計算していたのでしょうか。みんなで感心しました。

 

　

 

とびラーから特に好評だったのは、美術資料室にあるナンナ・ディッツェルのイスでした。座ると包み込まれるような感覚になるという感想を持つ人が多くいました。いつまでも座っていたくなる、好きな展覧会の図録を眺めながら、ゆっくり過ごすことが出来るイスです。

 

※美術情報室

https://www.tobikan.jp/guide/artlibrary.html

 

 

私たちは、今回、イスに注目して館内を巡ったことにより、それぞれが東京都美術館の中で自分のお気に入りの場所を見つけることが出来ました。そして、なぜその場所が好きなのか、理由についても考えてみることになりました。

 

例えば、公募棟展示室の上野動物園側にある休憩エリアのイスがお気に入りのとびラーは、なぜそこがお気に入りなのか考えてみました。そうするとイスの座面の色がホワイエにあるイスとは違い、グレー系の色であることやその休憩室が貸し切りの個室のような空間で落ち着くのだと改めて腑に落ちたのです。

 

 

このとびラボは、この日一日だけの活動でしたが、館内の素敵なイスに詳しくなったことで、他のとびラーや友人たちにも是非伝えたいという声もあがりました。

 

私たちがもっとも美術館らしさを味わえるのではないかとお勧めするイスは、講堂前のイスです。座ると自然に視界に入るのが対面の壁に掛かる大きな作品、ジョゼフ=アントワーヌ・ベルナールのレリーフ《舞踏》です。一人静かに作品を眺めるという優雅な時間が味わえるお勧めのスポットです。

 

 

機会がありましたら、是非、みなさんも座ってみてはいかがでしょうか。

 

参加したとびラーとイームズのイスで集合写真

 

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とびラー１２期　猪狩麻里子

都内小学校の情緒固定特別支援学級講師。アート鑑賞では、みんなで作品を見ながら語り合う時間を楽しんでいます。また、街歩きでは素敵な建築にときめき、その土地の地形や歴史にも興味が尽きません。

 

 

とびらプロジェクトで、

生まれるべくして生まれた企画

 

12月にしてはポカポカと暖かい小春日和、東京都美術館（以下、都美）で1日限定のスタンプラリー企画が開催されました。その名も「前川國男の名建築 都美のいいトコ 建築鑑賞スタンプラリー」。建築の見どころをモチーフにしたとびラーお手製のハンコで、スタンプラリーを楽しむイベントです。

 

前川國男の名建築 × スタンプラリー × ハンコはとびラーお手製

 

お腹いっぱいになりそうな内容ですが、実は、とびラーのこれまでの活動が積み重なって、必然的に生まれた企画でした。というのも………

 

❶「とびラーによる建築ツアー」から派生

 

都美では、前川國男が設計した名建築そのものも楽しんでいただくため、とびラーによる建築ツアーを実施しています。数人のグループ単位で館内のおすすめの場所をご案内するツアーですが、45分間のツアーが終わると「あっという間だった！」「もっと長くていいわ！」と、うれしい感想をいただくことが少なくありません。とびラーのほうも「もっとのんびり、心ゆくまで建築鑑賞をご一緒したい！」「一人ひとりのペースで楽しめる方法はないかな」と思っていました。

 

❷「消しゴムハンコ」にはまるとびラー

 

とびラーは「障害のある方のための特別鑑賞会」の招待状封筒を消しゴムハンコで飾る活動を続けています。回を重ねるごとに腕を上げて、消しゴムハンコの世界にはまっていく人が多いのです。

 

以上から、手作りハンコのスタンプラリーをツールとした建築鑑賞企画があってもいいのでは！と思いつき、「この指とまれ」をしたところ、仲間が集まりました。

 

初回のミーティングは、悪天候によりオンラインと
オフラインのハイブリッドで実施

 

 

スタンプラリーは人類の根源的な欲求を達成できる

最高のコミュニケーションツールだ！

 

キックオフミーティングでは、「都美のいいところを知ってほしい」「スタンプラリーが大好き」「都美のハンコを彫りたい」とそれぞれのとびラーが熱い想いを語り、スタンプラリーについて勉強。その上で、なぜ自分たちは、スタンプラリーを交えた建築鑑賞をしたいのかを言語化しました。

 

スタンプラリーの面白さを分析し、挙がったキーワードは以下です。

 

「収集」「達成感」「発見」「コミュニケーション」「冒険心」

 

つまり、スタンプラリーは、人類の根源的な欲求を達成できる、最高のコミュニケーションツールなのかも！と盛り上がりました。

さらに、これらのキーワードを都美の建築鑑賞スタンプラリーに当てはめると

 

「収集」　　　　　　　▶︎自由に都美を回遊、長時間過ごす

「発見」　　　　　　　▶︎都美の建築の魅力を知る

「達成感」　　　　　　▶︎成功体験により都美に愛着が湧く

「コミュニケーション」▶︎人と人（参加者ととびラー）もつながる

「冒険心」　　　　　　▶︎楽しい！ワクワク！

 

さらに、コミュニケーションツールにスタンプラリーを選ぶ必然性についても考えました。

 

⚫︎ 表現手段を手作りスタンプにすると、建築が身近に感じられる

⚫︎ 言語に頼らないコミュニケーションもできる

⚫︎「発見」の瞬間をたくさん提供できる

⚫︎ 子どもも大人も、誰でも楽しめる！

 

そして、メンバー全員で「都美でスタンプラリーをやりたいのだ！」と意思を固めたのでした。

 

企画にワクワク、懸念がムクムク

 

２回目のミーティングでは、さっそく具体的なプランを相談。ルールやスタンプシートのデザインなどのアイデアがポンポン飛び出し、ワクワクしながら、当日のイメージをカタチにしていきました。

 

地図を広げて、スタンプスポットを検討中　

 

アイデア出しを楽しむ一方、懸念点を洗い出し、対策も考えました。

⚫︎子どもたちが夢中になって館内を動き回って、安全性は担保できるのか

　▶︎スタート地点でルールをしっかり説明。とびラーが見守る。

⚫︎スタンプインクで汚れるようなことはないか

　▶︎とびラーがスタンプを押す。もしくはシールにする。

⚫︎当日の運営に、人員が必要！

　▶︎とびラーを引き続き募集する！

 

その後のミーティングでは、とびらプロジェクトのスタッフから客観的な意見をもらいつつ、「参加者が殺到したら？」「雨が降ったら？」とあらゆる事態を想定し、運営体制を検討。同時並行でスタンプの制作と各ポイントでの参加者とのコミュニケーションの練習も進めました。

 

ここで新たな心配が発生。建築ツアーガイドの経験があるとびラーは参加者と建築鑑賞をすることに慣れているのですが、そうでないとびラーが、参加者とうまくコミュニケーションできるかどうか、不安を口にし始めたのです。そこで、ポイントごとに参加者に楽しんでいただける対話のネタを考えてシミュレーション。自信をつけるために経験を積み重ねました。

 

受付のイメージをシミュレーション中

 

 

100人の参加者が名建築を堪能！

 

当日は、100人の参加者が、スタンプラリーと建築鑑賞を楽しみました。午前中は、SNSを見て「先着100名なので、早めに来ました！」と来られた建築ファンの方がちらほら。午後は、当日ふらっと参加した高校生や親子連れが多く、赤ちゃん連れや障害がある方にも参加していただきました。

 

「自分のペースでポイントをめぐれるのがいいですね」と、自由に回れるスタンプラリー形式にした狙い通りの反応も。「建築に興味はなかったけれど、新たな視点が得られてよかった」というご意見もあり、名建築としての都美のファンを増やすことに寄与できたと思います。そして何を隠そう、誰よりも、参加者が都美の魅力を発見していく、その場や時間を楽しんでいたのは、とびラーたちだったかもしれません。

 

みんなでつくった手作りのスタンプシートはこちら！

「消しゴムハンコを押したシール」を貼るスタイルになりました。

スタンプシート

 

 

職人がコンクリートに施した凸凹（はつり加工）の
柱表面を触って鑑賞

 

ギャラリー前の椅子に座って

 

 

高校生も親子も、都美建築の特徴である
壁面の「打ち込みタイル」を鑑賞

 

小さなお子さんも参加しました

 

三角形の螺旋階段（通称：おむすび階段）の下で

 

 

今回が初めての試みだったため、とびラーは「本当に参加者が来てくれるのかな……」「楽しんでくれるかな」と心配していました。しかし、スタンプラリーと名建築を愛する情熱、そして、持ち前の臨機応変なコミュニケーション力で、当日は底力を発揮することがました。最後は、参加者のみなさんも、とびラーもみんなが笑顔で終われて本当によかったと思います。

 

13人で始めたとびラボも、当日はこんなにたくさんのとびラーで
来館者を迎えました！

 

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執筆：後藤 麻木（12期 とびラー）

編集制作会社で働いています。名建築に身を置き、建築家の思いを知ることに夢中。とびらプロジェクトで学んだことを生かし、身近な場所にみんなが居心地の良い場所をつくることを目指しています。

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2025年12月。東京藝術大学 上野校地にある中央棟の一室で、先端芸術表現科4年の髙田清花さんにお話を聞きました。

髙田さんは、学部3年生だった2022年に、「藝大校歌再生活動」という活動を始めたそうです。その活動についての話を入口に、髙田さんのこれまでのこと、これからのことを伺いました。

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先端芸術表現科4年髙田清花さん

 

 

「藝大校歌再生活動」のはじまりから卒展の展示内容について

 

－　「藝大校歌再生活動」とは、どんな活動ですか？

 

実は、現在の東京藝術大学（以下、藝大）には「校歌」がないんです。

「藝大校歌再生活動」（以下、「再生活動」）とは、藝大の前身である、東京美術学校、東京音楽学校の時代にあった「校歌」や「学生歌」、口伝の歌を蘇らせる取り組みです。

卒業・修了作品展（以下、卒展）には、この「再生活動」から派生した映像作品などを展示します。

 

 

－　卒展にはどのように展示するか、教えていただけますか？

 

卒展での発表形態は、３種類を予定しています。

「再生活動」の年表の展示、映像の上映、小編成オーケストラによるパフォーマンスの上演、の3つです。

映像では、歌の再生の活動で出会った、藝大油画卒業生である現在84歳の先輩の語りを映します。

オーケストラによるパフォーマンスは、箏と尺八などの邦楽器をはじめ、美術学部の学生も歌う13人編成で演奏します。校歌、口伝の歌、再生活動のテーマソングである「めぐる」という曲をパフォーマンスする予定です。

 

 

－　「再生活動」が始まったきっかけを教えてください。

 

学部２年生の終わりに、授業で「藝大の歴史を調べて作品を制作する」という課題があったのがきっかけです。藝大には現在、校歌がないことに気づき、今は歌われていない「校歌」を課題のテーマにしました。山田耕筰（作曲家・指揮者/東京音楽学校卒業）が東京美術学校の校歌を作曲したという情報を得て、図書館で山田耕筰作品全集を紐解いたところ、東京美術学校の校歌と学生歌を見つけました。その歌の中に、「上野の森」という歌詞があり、その歌が、当時確かにこの場所で歌われていたのだと知りました。

 

私の入学時はコロナ禍で入学式も学園祭もなく、クラスメイトが誰なのかも知りませんでした。２年目まではほとんどの授業がオンラインで行われていたので、他の学生と直接会う機会がなく、藝大の学生だという実感がありませんでした。この歌の歌詞によって、自分が藝大に所属していることがやっと実感できた気がしました。

 

この校歌を蘇らせたらどうだろうと思い、制作期間が３日しかないなかで、和太鼓などの邦楽器をいれたオーケストラをパソコンの音楽ソフトを使って自分で制作しました。歌は５名の声楽科の学生とオンライン上でやりとりをし、歌ってもらいました。その音源を課題として提出しました。

 

藝大校歌再生活動のパンフレットと映像のパッケージ。デザイン科の学生に協力を得て制作した。

 

－　課題の提出からどのように「再生活動」に繋がったのですか。

 

課題を提出した数ヶ月後に音楽学部の学生と話す機会があり、藝大の前身には校歌があった話をしたところ、「演奏したい」と言われました。課題の時は、パソコンの音楽ソフトで制作しましたが、同じ藝大に音楽学部があるのだから、その学生たちに呼びかけて演奏してもらえばいいんだと、その時初めて気がつきました。コロナ禍で会えていないこともあり、大学にどんな学生がいるのかをまだ意識できていない頃だったと思います。

その場で、同学年のほとんどの学生が登録するSNSに演奏者を募るコメントを送ってみました。5人くらい集まれば良い方かなと思っていたら、なんとその日のうちに80人から参加を希望する連絡がありました。その後も、さまざまな学科や専攻からの希望者は増え続けて、最終的に130人ほどになりました。ほとんどが同学年の学生でした。

 

2024年3月には、藝大にある音楽ホールの奏楽堂が主催する、奏楽堂企画学内公募演奏会に「再生活動」を選んでいただき、校歌を演奏することができました。演奏会当日は、同級生の卒業式の２日後というタイミングでした。私たちの学校生活は常にコロナ禍の制約と共にあったため、この時初めて、オンラインではなく実際に会うことができた同級生もいました。

 

「再生活動」は、途中から活動自体が生き物のようになり、よい意味で活動に振り回され、自分自身が一番驚いています。休学中の2022年にプロジェクトを始めてから４年が経ちますが、最初からこんなに長いプロジェクトにしようと思っていたわけではありませんでした。歌を再生することに惹かれ、集ってくれた他の学生も同じように校歌を再生したいと感じていたようでした。

 

 


－　卒展で上映する映像に出てくる、口伝の歌「チャカホイ」を歌っていた先輩とどのように出会ったのか教えてもらえますか。

 

東京美術学校から藝大美術学部に口伝で継承された「チャカホイ」という歌があると知り、インターネットで検索したところ、とあるおじいさんが「チャカホイ」を歌っている動画にヒットしました。その投稿者に連絡を取り、おじいさんの連絡先を教えてもらいました。その方は藝大油画を卒業された先輩で、祭りが大好きな方でした。現在でも夏はエアコンを使わずに立ちっぱなしで制作をしたり、展示会を訪問すると３時間もお話を聞かせてもらえたりと、訪問する度に元気をもらえる方でした。この方のお話を映像として残したいと思い、密着してインタビューすることにしました。

 

髙田さんが制作したインタビュー映像。写っているのは、現役学生の時に「チャカホイ」を歌っていた油画科の先輩

 

 

この先輩の生の語りに後輩として触れられたことが、活動の中のひとつの財産だと感じています。話を聞く中で、藝大の思い出や、今も昔も変わらない精神があることが印象的でした。先輩と出会うきっかけが「チャカホイ」でなければ、堅苦しいインタビューになってしまっていたのではないかと思っています。共通の歌があるからこそ、愛着をもって受け入れてもらえ、自然な映像が撮れたと感じています。

 

 

「藝大校歌再生活動」の詳細は、WEBサイトでご覧いただけます：

https://geidaikouka-saisei.studio.site/

 

 

 

藝大に入学した経緯や学生生活について

 

－　藝大の先端芸術表現科（以下、先端）に入ろうと思ったきっかけはなんですか？

 

もともと生物学を学びたいと思っていました。美術の授業もない高校に通っていて、藝大も知りませんでした。ただ、好きな歌手のファン仲間のSNSで、普段考えていることや、趣味で作ったちょっとした曲、適当に描いた絵をアップしていたら、ファン仲間のひとりからいきなり「藝大の先端（先端芸術表現科）か音環（音楽環境創造科）が、あなたに合うかも」というダイレクトメールがきたんです。それがすべての始まりでした。最初は「いや、私は細胞の勉強がやりたいんだ」って思いました。でも、踊ったり演奏したり、アイデアを考えて表現することは確かに好きでした。

 

藝大について調べてみたら、先端と音環だけは技術面の受験対策をしていなくてもチャンスがあると知りました。高２の冬に急に進路変更したので、高校の先生たちも心配していました。高校３年生の夏に藝大のオープンキャンパスに行ったら、音環は裏方のプロフェッショナルというイメージを受けました。それは素晴らしい世界だけれど、自分自身としては、どうせ表現するなら自分で発案もしたいし、自分で作りたい。そのことを音環の先生に話したら、「じゃあ先端もいいんじゃない。先端でも音楽の授業があるしね」と言われたんです。

 

私が藝大を目指すことは、太宰治も知らずに文学部に入るくらいの無謀さでした。進路をどうするか、そこからずっと考えていました。センター試験の直前に藝大に落ちたら浪人でいいと覚悟を決め、先端を受験することに決めました。

受験にはポートフォリオの提出が必要でした。住んでいたところは、画材屋もない地域で、100円ショップやホームセンターで見繕ったものを使って作品を作ったり、藝大に入学したらやりたいことを書いた企画書を作ったりして、奇跡的に受かったという感じです。

 

インタビューの様子

 

―　 偶然をうまく捕まえて、波に乗ってきた感じがしますね。

 

親の職業の関係で海外の知り合いが頻繁に家に訪れる環境で育ちました。親はキノコに関する国際事業のコーディネートをしているんですけど、その一環でインドネシアでキノコ栽培の技術支援もしています。その関係で、私も最近はインドネシアと日本をかなりの頻度で行き来しています。その「浮遊感」がすごく性に合っているし、しっくりくる感覚があります。なんで浮遊する感じに惹かれるんだろう、と進路を決めた時ちょうど考えていたところだったんです。地面に足をべったりつけてどっしりやっているより、ある意味で力を抜いた生き方をしていく方が、私には自然なんだと思います。生物学を学びたいと思っていたところに、いきなりファン仲間から藝大を勧められて、「そうかな～」とふわっとしながら漂っているうちに、「それもいいな」と思ってくる自分がいました。

 

「再生活動」も、最初は全部自分で抱えがちでした。でも、自分の作品や活動だからとがっしり抱え込むのではなく、少し手放して、幽体離脱するみたいに「ちょっと離れたところから見てみる」と、意外と人が集まってきて助けてくれたり、大変なことが起きてもなんとか乗り切ったりして、それが全部自分の成長につながっていました。

 

１人でやっても、自分が本当に理解できることってそんなに多くないと思っています。感覚的なことや作品のようなものは、そもそも１人で所有するものではない気がしていて。だから、どんなものからも距離感を持つというか、透明感を持つというか、風通しよく存在していることが大事だなと感じています。

自分の芯は大事にしながらも、水みたいに変幻自在に関わる、という感覚が近いかもしれません。

 

 

－　大学2年生が終わって休学を決めたのはどうしてですか？

 

奇跡的に藝大に入れましたが、入ってからが本当に大変で。先生が出す基礎的な課題に出てくる単語も分からない。必死に授業課題をやっても、「実験止まりだね」と言われ続けて、作品と呼べるものが１個も作れていないまま大学２年が終わってしまって。せっかく藝大に入ったのに、この流されていくような状況から一度離れないと本当にもったいないことになると思い、この先どうするか何も決まっていないまま親に休学したいと伝えました。

休学を決めた直後、親から「仕事の役職に空きが出たからインドネシアに来ないか」と誘われました。休みの日には現地で芸術分野の経験もできるため、休学中の2年ほど、親の仕事を手伝いながら、インドネシアに滞在しました。

 

－　インドネシアとはいろいろな縁があるんですね。髙田さんにとってどのような場所ですか？

 

インドネシアはずっとあたたかくて、四季の感覚がぐちゃぐちゃになるのですが、それすら心地よい場所でした。日本の友達から「サヤカって今どこにいるの？」と聞かれるのも、むしろ気が楽でした。ある日、インドネシアの日本食レストランでたまたま隣に座っていた人が藝大の工芸科出身の方でした。その方にインドネシアの「ろうけつ染め」の職人のところに連れて行ってもらい、習うことができたりもしました。

校歌のことも含め、世代を超えた先輩にすごく助けられる体験をしてきました。インドネシアでも、人とつながる楽しさは「再生活動」の時に感じた面白さと同じかもしれません。

 

卒業後、またインドネシアに３年ほど行く予定です。現地滞在員として働きながら、うち２年で現地の大学院に留学しようと思っています。

 

卒業後も髙田さんは映像制作に取組む

 

 

藝大を卒業後にやってみたい、２つのこと

 

－　藝大を卒業されてからどんなことをしていきたいか、教えていただいてもいいですか？

 

やりたいことは、仕事の面と制作の面の２つあります。

仕事の面でいうと、先端の授業では、「社会問題をどう解決していくか」について議論する機会が多いのですが、結局、その社会問題の根っこにある社会的な構造を変えないと、どうしようもないと思っています。

親が自営業をしているということもあり、起業することも自分にとっては身近なものです。起業家なり、政治家なりになって、直接その社会の中の構造に触れて社会問題の解決につながることをしなければいけないという使命感をどこかで感じています。

制作の面では、インドネシアの人達を撮る映像制作に取り組みたいと考えています。「再生活動」はすごく面白かったのですが、未だに自分の中では「作品」と呼べるものを作れていないと感じている部分があります。表現できることはあると思うので、自分自身でもっと作品制作をしていきたいという野望があります。そのために、インドネシアの大学院で、自身の精神性をもっともっと深めながら、いつか自分の「作品」と呼べるものを作ってみたいと思っています。

 

 

－　未だに「作品」を作れていないとおっしゃっていましたが、どういう作品であれば、「作品」を作ったといえるんでしょうか？

 

なんなんでしょうね…。いわゆる「もの」としての作品は、自分には作れないと感じているのかもしれない。

「再生活動」は、確かにみんなに作品といってもらえますが、私は責任者として「場」を作っただけだと思っています。映像は作品というより「場」だと思っています。

歌は映像と形態が似ています。例えば童謡は、誰が作った歌かは知らなくても、歌う人たちは自分たちの歌だと思っています。

これは大事にしたい価値観だと感じています。

 

－　髙田さんにとってインドネシアの大学院で学んで精神性を深めるとは、どんな意味があるのですか？

 

インドネシアに行き来する中で、現地で出会った人たちは尊敬できる方ばかりでした。私は、どんな環境で過ごしたら、このような人が育つのかに関心を持ちました。そこで、彼らの哲学や芸能を深く知りたいと思ったんです。

色々調べていく内に現地の大学院で学べることを知りました。入学するために必要ないくつかのハードルも越えられることが分かり、そこから、インドネシアの大学院進学が現実味を帯びてきました。現地の大学が、私のために外国人枠を新設してくれることにもなりました。有名な国立大学ですが、先生方のフットワークが軽く、ここを学び舎にしたらどれだけいいだろうと思ったんです。

 

 

－ 精神性を深めて、どんな作品を作りたいと思っていますか？

 

先端の先生方から、「卒業制作の映像の中の先輩がすごく生き生きしている」と言われ、それがとても嬉しく、もしかしたら映像が、自分にとってのキーになるかもしれないと、藝大での学生生活の最後で気づいたんです。

インタビューでは、普通のインタビューにはない表現が、自分にはできる直感があります。映像を作るなら、自分の意思でがっちり作り上げるより「手放す」という感覚で作りたいと思っています。

自分ですべてをコントロールして何かを生み出すことってできないと感じています。制御できないものをそのまま受け入れながら、その上でどうやってもがけるか、というようなことを表現としてやってみたいです。

直近でチャレンジしたいのは、インドネシアで誰かの映像を取ることです。

 

－　インドネシアの人達の映像を撮りたいと思ったのは、何故ですか？

 

先ほどお話ししたように、度々インドネシアを訪れる中で、インドネシア人の道徳心や精神性の高さにいつも感激していました。毎日お祈りをし、お花を飾り、お香をたくなど、その行為自体がほんとに美しいですし、みんなで共生している。その風景に他の国にはない魅力を感じています。

私は、現地の方にキノコ栽培の技術支援をしていますが、逆に満たしてもらっているのは、こちらの方だといつも感じています。

この人たちの姿を映像に撮って、日本を含めた他の国の人たちに共有したいと思いました。

 

 

－　髙田さんは、アウトプットである“もの”としての作品よりも、むしろ、制作のプロセスを大事にしているように感じます。

 

本当にそうですね。私が作り出せるのはたぶんプロセスの部分です。「再生活動」でも絵を描くのは、美術学部の学生ですし、編曲や演奏は音楽学部の学生です。ちなみに歌は今回、美術学部の学生も歌いました。

彼らが作るものは確かに作品と呼べます。私はその流れというか土壌のようなものをつくって、その土壌の上で、メンバーが各々作品を作っている気がします。

 

 

－　最後にお聞きしますが、髙田さんにとって、アートとは何ですか？

 

いい芸術体験は、自分自身からも逃れられるような気がします。それが忙しない現代人にとって必要なのだと思います。自分はどう思うか、社会の何を変えたいかは、先端にいると何度も自分の考えを求められる部分です。そこからさえも離れ、自分は何者かという問いからも離れる、透明人間になれるような装置が、いいアートではないかと思います。その無の状態から、何かが芽生えてきて、その人が浮遊するきっかけになる、そんな作品を作りたいと思っています。

 

 

 

「藝大校歌再生活動」やインドネシアで体験から、自分ひとりでは制御できない場で創造性が生まれる可能性を探究したい、という思いが伝わるインタビューでした。髙田さんの今後の活動に引き続き注目していきたいと思います。

 

 

音楽学部キャンパスにある、東京藝術大学同窓会「杜の会」が入っている建物前にて撮影

 

紅葉が残る「杜の会」近くでの記念写真

 

 

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インタビュアー：

山中大輔：とびラー12期。社会福祉士、介護支援専門員、ボランティアコーディネーション力検定２級合格。都内の社会福祉協議会で、住民の皆さんと地域の福祉課題の解決に取り組む。また、地域活動では、地域の皆さんとアートを介してコミュニティをつくる活動を都内各地で実施中。

 

塙隆善：とびラー13期。長らく勤めたIT企業を卒業後、セカンドキャリアで、研修講師、個別指導塾講師、小学校の特別支援学級の介助員として活動中。地域の活動としては、コミュニティ学習支援コーディネーターとして、人がつながるためにどのようにアートを活用できるかを模索中。

 

平田彩：とびラー14期。フリーランス。浦安藝大への参加をきっかけに、アートの力に魅せられDOORを受講、現在そんぽの家で滞在活動中。聴くこと・ことばにすることを手がかりに、場づくりやつながりづくりができる存在を目指している。

日時　　｜2026年1月24日(土)
場所　　｜東京都美術館

参加者（事前申込）38名、とびラー31名

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寒さが一段と増し、冬らしさを感じる１月。

2025年度 第5回目の「とびラーによる建築ツアー」が実施されました。

 

今回の建築ツアーは、ガイドとして初めて本番を迎えるメンバーが多く、サポートとして初参加となるとびラーも加わり、これまで以上にフレッシュな顔ぶれでの開催となりました。
ガイドデビューに向けて、それぞれが東京都美術館の歴史や建築の魅力、紹介したいポイントを考え、何度も試行錯誤を重ねながら準備を進め当日を迎えました。

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参加者からは、

「楽しくて、あっという間に45分が過ぎていました」

「今まで注目したことのない場所や、新しい見方を知ることができた」

といった声も寄せられ、ガイド一人ひとりの工夫や想いが伝わるツアーとなりました。

この建築ツアーには決まったコースはなく、それぞれのとびラーが考えたオリジナルのツアーとなっています。

取手駅からバスに乗って10分ほど。そこは雑木林に囲まれた、なだらかな丘陵が続く東京藝術大学（以下、藝大）取手校地の広大なキャンパスでした。絵画専攻（油画）修士２年の大松美加子さんが、構内にあるバスの停留所で私たちを迎えて、制作室に案内していただきました。今回のインタビューは3名のとびラー（アート・コミュニケータ）で行いました。その中には全盲のとびラーもいます。事前にお伝えしていたので、大松さんは用意してくれていて、作品の一つを特別に触らせてくださいました。私たちはそれを手に取り、触感を確かめながらインタビューが始まりました。

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–　大松さんの作品はどういう風にできているのですか？

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キャンバスに描いた絵の上から豚革で覆っています。半透明で透けて見えるので、奥に描いた絵がうっすらと浮かび上がります。

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–　どうして豚革を使っているのですか。

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最初は見た目から入って、視覚的に魅力があると感じたからです。半透明で、中のものが直接的に見えなくなるというか、まるでヴェールがかかったような状態になることに興味を持ちました。豚革で絵を覆うことを続けるうちに、革の内側に絵具が付着して、新しい層ができるような視覚的な面白さも感じるようになりました。

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豚革に包まれた大松さんの絵画作品

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あと、生活していると埃が溜まりますよね。埃は皮脂や服の繊維だったものが少しずつ剥がれて堆積して重なったものですが、その状態が豚革の質感と近いものを感じて面白いと思いました。

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大松さんのお子さんのサイズアウトした靴を豚革で包んだ作品

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学部生の時の卒業・修了作品展（以下、卒展）に出した作品も制作室に持ってきています。これらは一部が割れたガラスやコップ、サイズアウトした私の子供の靴で、豚革でくるんでいます。どれも形は保っていますが、私からすると既に失われたものです。もう役割を失って、ただの形になった時点での状態を残しておくのにちょうどよいという点で、豚革という素材でくるむことは私にとって、しっくりきました。

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–　豚革という素材を見つけて、作品に使い始めたのはいつごろからですか。

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思いついたのは学部2年の頃です。学校から紹介された訳ではなく、多分何かを調べていた時、偶然見つけました。初めて作品に使ったのは学部4年の卒業制作の時です。私は学部生の間に出産して一時休学していました。復学後は精力的に何か新しいことを試したり、作るというよりは、「今の自分ができることは何か」を考えていました。その後、卒業制作を考える時期になり、以前に少し試して、手元に残っていた豚革を手にして、これは活用できるかもしれないと思いました。豚革は面白くて、今触ってもらった時は硬く感じたと思いますが、水に濡らすとふやけて、ブヨブヨになるので、いろいろな形にできるという性質があります。そして、乾くとまた硬くなります。加工しやすい訳ではありませんが、私ならうまく表現に使える素材だと思いました。

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–　今回の修了出品も豚革を使った作品が中心になるのですか。

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半々でしょうか。これまで制作した絵画と豚革を使った作品に加えて、ジュエリーの技法を使った作品や写真作品の展示、そして私のiPhoneのストレージにある動画を編集した映像作品の上映を考えています。

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まず、ジュエリーの工法を使った作品の途中経過をお見せします。これは1枚の写真から小さな円をたくさんくり抜いて、ロケットペンダントにはめ込んだものです。ティグ溶接というジュエリーを台座に取り付ける技法を使って、繋げてみました。これらをさらに長く繋げていって形を作ろうと思っています。元の写真は記憶が薄れてきていますが、iPhoneのストレージに残っていた旅行中のものです。

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他にも、自分が食べ終わった皿の写真作品も準備しています。食べ終わった後の皿が視覚的にすごくきれいに見えることが多くて、数年前から撮ってきました。私は記憶みたいなものをテーマにしていますが、生々しい記憶というよりは、もう薄れてしまった後の記憶みたいなものに惹かれます。私には食べた後のお皿はきれいに美しく見えていますが、既に失われた後の姿に何か見出せるものがあるのがいいなと思ったりします。

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–　目が見えない人にも楽しめるポイントがもしあれば教えてください。

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今回、匂いを使った作品も取り入れたいと思っています。

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匂いを使った作品の素材の香りを立たせている大松さん

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渡された乳鉢の中の香りをかぐ山本さん「この香りは？」

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これはミルラという天然の樹脂香で、昔からお香として使われてきました。サクランボ大の塊で、ブロック状の炭を砕いて一緒に焚くのが本来の使い方らしいのですが、今回は砕いてみました。匂いや音のような立ち上るものがある作品を出品するのもいいなと思っています。匂いに関しては、実験してみたいと思っている作品があって、今まで豚革でやっていたように、膠（にかわ）とミルラを混ぜて、花をコーティングしてみたいです。多分透明な膜のようになると思います。ミルラは東方の三賢者がキリスト誕生祝いの一つにしました。また、エジプトではミイラの防腐剤としても使われていたそうで、ミイラの語源ともいわれています。象徴的な面と実用的な面を併せ持つところが面白く、作品に展開していけたらと思っています。卒展でそれを出品する可能性があるかもしれません。間に合えばですが…（笑）。匂いというのは一番早く忘れる感覚といわれていますが、再び嗅いだ時に一番早く記憶を呼び覚ますきっかけになると思います。記憶が匂いと結びついていると以前聞いたことがあり、匂いという感覚は儚いけれど力強いものでもあると思っています。

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–　修了制作で苦労した点やエピソードはありますか。

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子供がいることもあって、制作に使える時間が減り、頭の切り替えがうまくいかないところが、苦労した点でした。修士課程での制作中のエピソードといえば、たびたび研究室で研修旅行に行ったことでしょうか。その土地その土地には記憶があるし、そこに溜まっている埃というか、生活の痕跡みたいな、ちょっと訪れたぐらいでは見えないものもたくさんあるのだろうなと旅行しながら想像していました。頭の切り替えが難しかったと先ほどお話しましたが、そんな小さい旅行をすることで、自分のペースを取り戻すことができたと思います。

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もう一つ、卒展の作品構成のヒントをもらったエピソードがあります。修士2年になって、教授のプロジェクトで制作室内にホワイトキューブという四角い展示スペースができました。年度後期になってその教授から、この場所で学生が交代で個展を開こうという提案があり、私が最初に一週間後から作品を展示するように依頼され、急いで準備して、何人かを招きました。それまで自分の作品で個展をしたことがなく、自分の作品を一つの場所でまとまって見るという経験がありませんでした。展示してみて、制作の大きな気づきになりました。卒展へ向けても、あえて大作に挑まず、小さい作品をたくさん制作することで表現できると思えたのは、この経験がステップになったと思います。

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–　美術系の大学に進もうと思ったきっかけは何でしょう。

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高校が美術系だったこともあって、美大受験予備校にも通っていたのですが、現役の受験では落ちてしまいました。高校を卒業してすぐは、そこまで美大に行きたいという強いモチベーションがあったわけではなく、しばらく迷いの中にいて、派遣の仕事をしながら生活する時期もありました。その後、改めて美大に通っている友人に会って話をしたら、美大では長い付き合いの友達ができる場所だと思いましたし、興味の点で言えば、写真を撮ったり文章を書いたりするのがすごく好きだったこともあり、美大を再受験することを決めました。

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–　藝大の絵画科油画専攻を選んだ理由は？

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絵を描くこと以外、できる気がしなかったからでしょうか。入学する前は、未来の自分が作る作品をできるだけ楽しみにしたい、今は予想もしてないようなものを作ってみたいという気持ちがありました。そして、自由度が高いのは油画専攻だと思ったので、選びました。私はブランクがあったこともあって、まっすぐ絵を描くということより、他の要素を取り入れたり、他の媒体に挑戦したりすることに興味がありました。

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–　もともと美術はお好きだったのですか。

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小さい頃から絵を描くことが好きで、小学校の休み時間は絵を描くとか図書室で過ごすような子どもでした。あと、祖父の家に紙がたくさんありまして、私が落書きをしているのを見るたびに、祖父がそれをいつも壁に飾ってくれていました。今考えるとそういう経験も大きかったのかもしれません。中学までは普通の公立です。中学の時は不登校だったので、普通科に進むよりは何か別なことをした方がいいだろうと、美術系の高校への進路を考えました。

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–　藝大受験や学生生活の思い出は何でしょう。

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最初に受験した時は緊張しましたし、こうでなければという気持ちも強く、力を抜くのが難しかったです。合格したのは３回目に受験した時だったと思います。記憶が薄れていて、しかも曖昧な年が１年あって、3回目か4回目かよく分からないのです（笑）。学部時代は上野キャンパスで過ごしました。学部１年の時は藝祭で模擬店係をやったことが思い出に残っています。確かタピオカ屋さんをやりました。油画科は、学部の間は全員が上野で過ごすのですが、大学院進学で上野の研究室と取手の研究室に分かれます。私は取手の研究室に配属になりました。今から考えるとそれが結果的にすごく良かったです。アトリエの居心地がとてもいい。制作しない時でも、学生同士で話したり、本を読んだり。取手はすごくゆっくりした場所です。散歩するなど、これだけ穏やかにいられる場所は、私のこれまでの中では割と珍しかったので、貴重な時間でした。

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–　今は制作の時間が長いと思いますが、気分転換にはどんなことをされていますか。

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散歩でしょうか。制作中にちょっと疲れたなと思うと、構内の下の方に行ったり、制作室内のソファーに座っておしゃべりしたりなど、うろうろしています。その際に何かひらめいたり、作品のヒントを得たりすることはないですね。作品制作に繋がらないところがかえって息抜きになっているかなと思います。

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–　修了後の展望を教えてください。

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本当に迷っていて、これがしたいなど、しっかり決まっているわけではありません。働きつつ、アート活動は続けていきたい。作品のサイズや規模が小さくなっても制作を継続するのが大事かなと思っています。どこかに作品を出品することも、これから考えていきたいです。

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–　最後に、卒展へ来館される方々に伝えたいことや、こう感じてほしいと思うことがありましたら、教えてください。

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誰の中にも、もう忘れて思い出すこともできない記憶みたいなものがあると思います。自己の中ですら辺境化されている記憶…。記憶に限らず、そんな部分があって、その存在を感じてもらえたらいいなと思っています。

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取材：長谷山恵子、山本祐介（ガイドペルパー同行）、岡浩一郎
執筆：岡浩一郎
写真：大東美穂（とびらプロジェクト コーディネータ）

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仕事は、小学1年生の児童支援と新任の先生のクラスで時々担任もしています。趣味は地元のスケッチ会で水彩画を外で描いています。猫二匹を飼っていて、餌の好みを研究中。（長谷山恵子）

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2022年に全盲となった理学療法士。現在は、自転車旅や表現活動を通じ、善意による制約や無関心が生む社会の壁を打ち破るべく活動しています。とびラーとして、視覚に頼らない独自の感性を大切にしています。（山本祐介）

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宮城で27年間、日本酒蔵元で働いて、親のいる東京に戻りました。現在は小学校で、3～4年生に英語を教えています。東京に来てから習い始めた津軽三味線は「乱れ弾き」を夢見て、練習に励んでいます。（岡浩一郎）

年末も近づく12月下旬、私たちは東京藝術大学（以下、藝大）取手キャンパスの教育棟を訪れました。大学構内で飼育されている散歩中のヤギと出会うなど、上野キャンパスとは異なる取手キャンパスの雰囲気を楽しみながらアトリエのドアを開けると、篠崎遥香さんがあたたかく迎えてくれました。アトリエに入ってまず目に飛び込んできたのは、壁に掛けられた大きな絵と、床に置かれた同じサイズの下絵。その迫力に圧倒され、ご挨拶もそこそこに、思わず絵に引き寄せられてしまいました。
「触っても大丈夫ですよ」とのことで、特別に手で触れながら、さっそく作品についてのお話に。和紙を使ったコラージュの技法や、「一度描いたら直せないから、緊張しながら進めています」と、制作時の心持ちも教えてくださいました。
少し落ち着いたところで、改めてお互いに自己紹介を交わし、椅子に腰かけて本格的にお話を伺うことにしました。

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篠崎遥香さん

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–　大学院に入学するまでの経緯をお聞かせください。

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私は、一度別の大学で日本画を専攻した後、社会人入学で藝大に入りました。普段は高校の講師をしています。元々、アートスクールを開きたいという夢があり、いずれは自分のスクールをメインに活動したいと考えています。その一環で数年前はカルチャースクールや絵画教室で修行していました。コロナ禍で教室の継続が難しくなり、生活スタイルや描きたいものに大きな変化がありました。その中で美術教育を本格的に学び、制作も教育も両方を極めたいという思いが強くなって、美術教育研究室（以下、美教）への入学を決めました。

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１　修了制作について

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制作中の作品

今後、このような青系の色がついていくそうです

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–　これが修了制作ですね。

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2年くらいで心境の変化がありました。元々コロナ禍の誰もいない情景に人が空を舞っている作品を描いていて、2023年にコロナが落ち着いてきてから構成を変えたりしています。今最も追及しているのは、浮遊することとは何かを人物像を用いて表現することです。突き詰めて描いていきたいと思っています。

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–　「浮遊」している状態は、どういうメッセージが込められているんですか？

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これまで「絵でしか表現できないこと」をやりたいと思ってきました。浮いている状態を違和感なく表現できるのは、絵画の醍醐味だと思います。「飛ぶ」のは昔から多くの人が興味を持つことなので、見た感じ方は人それぞれ、いろんな感情が想起されるような浮いている状態を作りたいと、最近は思っています。

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二人の人物を重ねるような配置で「浮遊」を表現したいと思ったのは、自分自身の実体験がきっかけです。実際に人間が空を飛ぶことはできませんが、ジャンプやトランポリン、飛び込み、泳ぐといった浮遊に近い身体の動きを通して、私はいつも開放感や心地よさといった浮遊が持つイメージとは裏腹に、怖さや体に力が入るような感覚も抱いてきました。そんな相反する気持ちを、異なるニュアンスを持つ二人の表情に込めることで、鑑賞する人にも「浮遊」という感覚に少しでも近づいてもらえたらと思っています。わざとダブらせて物理法則を無視したり、服の形もあちらこちらになびかせたりするのは、「浮いている」と人の目をうまく錯覚させることができないかと考えて、二人の人物を重ねる配置にしてみました。

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制作で参考にしている服も見せていただきました

制作に使うケーキナイフとヤスリ

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–　制作の過程で、楽しかったことや大変だったことは？

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2025年6月頃にサイズ感と方向性が決まり、人生最大の作品になりました。大きいということで一人ではできないことも多く、研究室の仲間の協力には本当に助けられました。美教は論文の提出もあり制作との両立はとても難しく、仕事もしているので日々葛藤しながら駆け抜けて行く感じでした。最近はアクリル絵具を主軸に制作することも多かったのですが、そんな中でも日本画の伝統的な技法を取り入れて制作できて、今までの学びに立ち返ることができました。

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２　これまでについて

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–　教えるということが、元から好きだったのですか？

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結果として適性があった、という方が近いです。たまたま人生初のアルバイトが塾講師で、続けていく中で教えるスキルが積み上がっていきました。私は喋ることが好きで、言葉にするのが得意だったので、できるかもしれない、と思うようになりました。
指導をしている中で、子どもたちが何かを理解したときにニコッと笑みを浮かべた姿を見て、教えたことでその人の人生にプラスになったと実感でき、私の喜びになりました。

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–　小さいころから、アートは身近にありましたか？

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全く身近ではありませんでした。お絵描きは好きでしたが、小・中学校で、特別な教育は受けていませんでした。

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–　いつ頃から美術の道に進もうと思ったんですか？

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小学5年生のときの担任の先生がきっかけです。40代の体育の先生で、ご自身の今後のことを考えて、夏休みの間に大学で美術の教員免許を取得したという話を朝の会でして、実技の授業のデッサンを見せてくれました。私はそこで初めて大学というものがあること、そして美術が学問になるということを知りました。それまで図工の時間はレクリエーションのように考えていたので、ただ楽しいだけではない美術の世界に興味を持ち、進路として意識しました。そのあと少し時間が空いて、高校で美大受験予備校に通い始めました。美大を目指す他の人に比べたら本格的な実技対策は遅い方だったと思います。

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–　将来描くことが生活につながっていくとは想像していましたか？

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始めは大学で美術を学ぶことってなんだろうと考えるところまでで、その先はあまり意識していませんでした。
絵画教室の先生になるという夢は、大学3年生のころには思っていたのですが、人生の目標としてもう少し先のことと捉えていました。中高を過ごした地元に絵画教室がなく、地域にそういう場所があった方が良いと思っていました。

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–　どうしてそう思ったのでしょうか？

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父が社会科の教師で、教える環境には自然と馴染んでいたからだと思います。気が付いたら人に何かものを教える自分という像が表れていました。振り返ると、人生の決断には出会った人や環境の影響が大きく、教育の力は侮れないと実感しています。

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丁寧にご説明くださる篠崎さん

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３　美術教育研究室での学びについて

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–　美術教育とはどんな研究室ですか？

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「教育」の名の付く研究室なので学校の先生を養成する場所と思われがちですが、必ずしもそういうわけではないです。美教では、作品制作の他に理論研究として論文を書くのですが、そこで自分の研究を丁寧に言葉にしていきます。言語化はとても大切なプロセスで、美術を学ぶ意義を深く掘り下げることができます。
修了後の進路は結構バラバラです。学校の先生になる人も、学校ではない教育活動をする人も、作家で頑張る人も、学芸員になる人もいます。なんらかの形で言葉にすることを強みに活かした進路にいく人が多いですが、必ずしも学校の先生ではありません。そこが教育学部系の美術教育とは異なる、藝大ならではのところです。

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–　美教の2年間を振り返って心に残っていることは？

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古美術研究旅行がとても楽しかったです。古美術研究旅行は他の科では単位として設置されていますが、実は美教にはこの制度が無く、私の代の学生の強い要望で美教内でも希望者による催行という形で実現しました。美教には学生の「学びたい」気持ちを尊重してくれる空気があると思います。美教では学生の制作分野はバラバラなので、日本画、彫刻など専門の異なる学生と一緒に古美研行くのですが、日本画専攻の学生は仏像の塗装や絵付けについて、彫刻専攻の学生は木彫の作り方など、互いに知識を共有できるので学びも多く、貴重な体験となりました。

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この経験は私の制作にも活かされていて、「浮遊」を表現する際は、平等院鳳凰堂の雲中供養菩薩像を参考にしています。物理法則として正しい形と、人が見て心地よい浮遊表現になるかどうかというのは全く別だと気がつきました。これまでは物理法則に囚われていたところがありましたが、最近は解放されてきたと思います。

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図録に掲載されていた平等院鳳凰堂の雲中供養菩薩像

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また、一度社会人を経験してから藝大に入学したのですが、最初に他の大学で学んだ時は、なぜ勉強するのかが本当はよくわかっていませんでした。どこかで「みんなが大学に行っているから私も進学する」という気持ちがあったのだと思います。今回はただ自分が勉強したくて藝大に入学したというところが大きいので、主体的に学ぶことができています。普段教員をやっているので、先生がどういう意図で話しているか、学生に何を求めているのかが以前よりはわかるようになり、指導内容がより理解できていることを実感しています。
この2年で、学びたいと思ったときにいつでも学べる生涯学習の喜びを、身をもって実感しています。

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４　おわりに

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–　アートスクールを開きたいという夢があるとのことでしたが。

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私は生涯学習に関心があり、学校教育や美術教育の機関と連携・協働しながら、地域に開かれた教室をつくりたいと考えています。
様々な学びが展開できるすごいスクールでありながら、出で立ちは素朴で、「街の絵画教室」のような、老若男女さまざまな人が集まる場をイメージしています。私は絵画を専門に教えたいと思っていますが、他の分野の人たちとつながりながら、幅広い学びを提供できたら嬉しいですね。美教で、横のつながりが広がったことも大きな収穫でした。関わる人たちと協調しながら、私自身も活動を通して成長していけるような、「一緒に楽しく勉強しよう」というスクールにできたらいいなと考えています。

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（※ちなみに…制作と同時に提出されたという修士論文もみせていただきました。論文名は「高等教育の美術教育における学外連携の現状ーー学外教員と学外教育者の両者調査から見える課題の考察」。理論と制作のいずれからも、夢に向かって進まれている姿が印象的でした！）

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–　これからの展望を教えてください。

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自分のスクールに向けての準備を、本格的に行っていきたいです。まずは自宅での子ども教室からスクールの一歩を踏み出していこうと思っています。もっと「楽しい」にフォーカスした活動ができれば良いなと思います。

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–　藝大を目指す方へのメッセージをお願いします。

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藝大にはいろんな側面があり、美教のようなアート×教育の研究室もあります。藝大の学びは想像より広い、ということを伝えたいです。
藝大を目指す人には、何が自分の学びとしてフィットするかは実際にやってみないとわからないので、「色々やってみよう」と伝えたいです。何か自分が最も輝くものが見つかるかもしれない。それが今現在の自分が好きでやっていることと一致しているかはわからないから、広い視点を持ってやってみることも大切です。何かハマるものがあって、藝大へ足を踏み入れることになるかもしれない。それがもしかしたら10年後、20年後、30年後かもしれない。学びはいつまでもあるということを伝えたいです。
ここまでさまざまな経験をして、私は本当に美術や教育の勉強がしたかった、勉強が好きだったんだ、という感覚がやっと出てきました。これからも楽しく長い目で学んでいって、理想の「先んずる人」になっていけたらいいなと思います。

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–　私たちも篠崎さんのスクールに通いたいと思いました。ありがとうございました！

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ありがとうございました

最後にみんなで「浮遊」体験！

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14期の高阪妙子です。とびらプロジェクトでは、主に鑑賞にかかわるプログラムに参加しています。

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13期の西田明子です。今回で2回目となる藝大生インタビュー。様々なプログラムに参加することでたくさんの出会いや気づきがありました。

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14期の坂本悠美子です。普段は出版社で編集をしており、今後は美術分野の書籍編集にも携わっていく予定です。とびらプロジェクトでは鑑賞講座をとっています。

東京藝術大学（以下、藝大）の建築科は1学年たったの15人だそうです。インタビューさせていただいたのはその建築科に所属する学部4年生の岡崎万実子さん。案内された総合工芸棟4階の製図室には、ゆるく仕切られたスペースで各自が研究や制作をする建築科独特の空間が広がります。お話を伺ったのは、まさに追い込み中の12月。卒業制作はなんと、施主さんがいる本物の建築物でした。

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建築科4年岡崎万実子さん

ドローイングの貼られた壁の前の建物模型に目が留まります

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岡崎さんのスペースには、建築素材や模型、図面がおかれ、右手の壁一面には何枚ものドローイングが貼られています。

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–　こちらが卒業制作ですか？

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はい、卒業制作の背景からお話しします。藝大音楽科の友人のご両親が、住宅とゲストハウス（宿泊施設）を建てるという計画がありまして、その友人に声をかけてもらって、学部3年生の頃から設計に関わらせていただいています。その場所が、瀬戸内しまなみ海道が通る「大島」です。目の前には海が広がり、裏手には山がある敷地です。島の中でも住宅が集まった場所からは少し離れていて、波の音だけが聞こえるような静かな場所です。

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卒業制作が建つのは瀬戸内海の大島

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実際に現地では施工が始まっていてこの写真は棟上式の様子です。今の設計段階としては、建具の取っ手やフックなど、小さいものの選定と、ディテールの設計をしています。

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施工場所の写真と棟上げ式の様子

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–　3年生からメインの設計者として関わっていらっしゃるなんて素晴らしいですね！

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工務店さんと相談しながら進めています。全体は、住宅とゲストハウスが連なる構成で、まず住宅があり、その「はなれ」としてお父さんの書斎と倉庫が配置されています。その奥にゲストハウスが続き、ゲストハウスは中庭に面しています。住宅とゲストハウスの空間は分けられていますが、一部で動線が重なり合っています。設計する上では、ドローイングを描くようにしています。

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壁一面にドローイング。一旦抽象化して考えるのに欠かせないとか

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–　壁一面が全部そのドローイングなんですね。模型を作るより先に絵を描くのですか？

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そうです。正確には、模型を作りながらドローイングを描き、また模型を更新する、という往復をしています。
例えば、室外機の配置を考えたときも、ドローイングがきっかけになりました。これは、ドアの並びと室外機の関係を考えたドローイングです。ドアと同じような形で開口を設け、そこを室外機の置き場にしてみました。室外機を壁面から突き出さずに納めようとすると、壁に窪みが必要になります。その窪みは、室内側から見ると出っ張りとして現れますが、そこをスーツケースを置くための棚として利用できると考えました。すると、それまでキッチンが想定されていた位置と、クローゼットの配置が入れ替わることになります。
見え方やものの関係を起点に、そこから新しい形や機能に波及していく。そうした連鎖を意識しながら設計しています。

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左はドアと室外機の配置を考えたドローイング、右は内側にできた窪みの断面図

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–　見た目からの発想が機能に転換されていますね。では、こちらは何ですか？

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天井のドローイング

白抜きの楕円がダウンライト、黒い楕円が火災報知器

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寝室のベッドから天井を見上げた図です。ダウンライトが天井に3つ必要で、さらに火災報知器をどこかに置かなければなりません。ダウンライトと火災報知器の実物を並べてみると、似たような形と大きさをしているなと。

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ダウンライトと火災報知器

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普通は火災報知器は付属物として扱われますが、それを一旦ドローイングに置き換えて抽象化してみることによって、同じ形としてフラットに設計に取り込めるのではないかと考えました。同じようなものとして配列しているけれど1つだけ火災報知器になっているという訳です。
部分的にドローイングを描いて、その度に決定を下していきますが、全体を見ると部分同士はリンクしているというか、韻を踏んでいるというか。

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–　リンクして韻を踏む・・・形や間隔のリズムがということですね。

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そうですね。例えば壁の高さとネジのピッチなど一見バラバラのものが関係づけられて、寸法が決められています。
そして、こちらのドローイングも・・・住宅側のトイレ前の壁のポケットに置かれた一輪挿しの花と、奥の窓越しに広がるお庭の風景とが、ちょうど同じ高さで並び、同じ額縁の中に切り取られたように重なって見えています。

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壁のポケットの一輪挿しと奥の窓

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ドローイングにすると、大きさとか距離感が抽象化されるので、大きい・小さい、遠い・近いみたいなことを同一平面で考えるきっかけになります。このようにすごく具体的な部分と、抽象的なイメージとを擦り合わせるように進めています。
建築の設計というのは、一般的に大きい外形から決まって、それから構造が決まって、壁、天井、巾木、家具、というふうに、ヒエラルキーがあると思うんです。一旦はディテールまで設計していきますが、引き戻ってスケールを横断的に考えていくように意識しています。

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–　施主さんとお話しして最初に作り上げたコンセプトやイメージなどはどんなものだったのですか？

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授業での設計と大きく違うと感じているところが、自分だけの設計ではなくて、施主さんの要望であったり、工務店さんの施工性の有無だったり、社会的な制度などが複雑に絡み合った中で設計されるというところです。最初にコンセプトは立ててはいたのですが、どんどん形が自分の手から離れていくというか。ですから、個々の要素を統合的に制御するのではなく、ものの関係を部分的に結びつけながら、全体が何となく見えてくるような設計を目指しています。

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例えば、全体プランとしては、もともとゲストハウスと住宅は別々の棟で考えていたのですが、建築申請をする段階で1棟に変更する必要が出てきました。それを受けて、この住宅とゲストハウスをつなぐ外壁が、住宅側から連続してそのままゲストハウスの内壁として現れてくるようにしました。制度によって定住する夫婦とゲストとの関係が作られていった訳です。このように、検討中の様々なフェーズで出てくる新たな条件に従って形が変形していくような設計をしています。

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手前が住宅、奥がゲストハウス、間の直線部分が書斎兼倉庫

ゲストハウスの中心には廊下が斜めに走っている

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–　いろいろな変更は施主さんも予測できないのですね。そもそも施主さんがいちばん大切にされた設計上のポイントはありますか？

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ゲストハウスについては、海が見えること、そして、お庭でバーベキューができるスペースがほしいということでした。そこで、ゲストハウスには大きな土間を設けています。キャリーケースを持ったまま土足で入り、クローゼットで荷物を置いて、そのまま中庭に出られる動線を想定しています。釣ってきた魚を土足のままキッチンで調理できるなど、靴を脱ぐ・脱がないといった行為の切り替えも、意識しています。

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–　こだわった素材、特徴的な素材はありますか。

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外装は「焼杉」にしています。焼杉は塩害に強いので海の近いこの地域でよく使われてきました。その焼杉を、外壁だけでなく内側の廊下にも連続して用いています。特徴的な焼杉の外壁に沿って外部を歩いていくと、そのまま内側の廊下へとつながり、さらに進むと再び外壁として現れます。表裏が次々と反転していくような感じです。

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焼杉の外壁が模型にも表現されている

焼杉の外壁材。仕上げで異なる表情が出る

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こちらはその焼杉のマテリアルのスタディ（素材の検討）です。焼いたままではマットな黒ですが、その上にオイル塗装をして、さらに強く表面を布でこすってみると、凸になった木目だけが浮き上がり、奥行きや立体感が出るようになりました。このように異なる仕上げ面をどこかで採用していこうと思っています。

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–　岡崎さんご自身についても伺いたいのですが、なぜ建築に興味を持たれたのですか？

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建築をやりたいと思ったのは物心ついた時からです。3歳くらいのことなのでよく覚えていないのですが、ものを作ったり絵を描いたりすることが好きで「建築家」という職業があると教えてもらったときに、これだ！って思ったのを覚えています。

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–　3歳から！家を作りたいと思うきっかけがあったのですか？

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家で部屋を移動するとなると、人は壁に沿って歩くことになりますよね。さらに、その壁の素材によって、過ごし方や人との関係性までも規定されることがある、そんな建築の力みたいなものに惹かれたんです。
建築は、作るものの中でも人に与える影響がすごく大きいものだと思っています。そういうものに携わりたいというのがいちばん大きいです。

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–　その時思っていた建築家のイメージは今も同じですか？

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いいえ、大学に入ってすごく解像度が上がりました。それこそ今、実際の建築物の設計に初めて携わることでイメージは大きく更新されています。設備や制度的なことは、大学の課題だけでは考えることがない領域だったので、そういうものをむしろ肯定的に受け取りながら設計しています。

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–　藝大の建築科を選んだ理由は？

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意匠設計に興味があり、藝大にはそうした設計について議論し合える仲間がたくさんいると思ったので選びました。藝大に入ったことで、建築の表現にも興味を持つようになりました。今回は実際に建つ建築を設計していますが、実施されないものであっても、建築を通して考えを示すこと自体に意味があるのではないかと思っています。建築は建物そのものだけでなく、そこに至るプロセスや考え方にもあるという面白さに、大学で気づきました。

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–　建築は幅広いようですが、特に興味があって今後取り組んでみたいことはありますか？

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大学の課題では、一人で考えながら設計を進める時間が多かったのですが、実際の設計では、施主さんや工務店の方など、さまざまな人と対話しながら形が決まっていくことに面白さを感じています。そうした人との関係の中で建築が立ち上がっていくプロセスにも、関心があります。

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–　卒業・修了作品展はどんな展示になりますか？

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ここにある全部です。ドローイングと図面を並べておいて、ドローイングでは、切り取ったものの関係をどう見せたいのかを示し、図面ではそう見せるために実際にどのように設計しているのかを表現していきます。あとはその図面に至るまでの過程を文章で補ったり、採用されなかった図面を置いてみたり、そういうプロセス全体を作品として展示します。

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–　今回の設計に携わることで、見直したこと、感心したことはありますか？

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たくさんあります。例えば、コンセントカバーひとつでも、素材や質感の違いによって空間の印象が大きく変わることに改めて気づきました。造作家具を考える際も、ビスをどこに、どの間隔で留めるかによって見え方が変わってきます。そうした細部の選択が積み重なることで空間がつくられていくのだと実感し、これまで意識していなかったものが、少しずつ見えるようになってきました。

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–　建築に関する考え方に変化はありますか？

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建築は、ひとつの論理で説明できるものとして、わかりやすさを求められる部分がありますが、もう少し建築は複雑なものなのではないかと思い始めています。模型をそのまま肥大化させたような作り方ではなくて、もう少し包括的に全体を説明する・・・何というか「つぶさな目線」を持って建築を見るようなことではないかと。この制作に関わったことで、実際にものがどう成り立っているのかについて解像度がものすごく上がりました。今までは、建築の形態や機能性といった全体性に関心を持っていたのですが、最近は、材料やもの同士の接続といった細かな部分から建築を考えていくことの可能性を感じています。

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–　学部4年を卒業された後はどちらに？

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東京藝術大学の大学院に進学を予定しています。

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–　どんな建築家に将来なりたいですか？

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常にまだ自分が扱ったことのない建築に関わっていたいですね。公共建築とか、住宅とか、家具スケールのものまで、いろんなスケールのものを手がける建築家になりたいです。

 

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–　岡崎さんのこれからがとても楽しみです。今日はありがとうございました。

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取材・執筆：12期斎藤朱織、14期清水愉美、14期岡本洸彰
撮影：神道朝子